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Bway in Spain

BGMC&QUEENS: Gays y reinas en el Condal

Cualquier ciudad que se precie tiene hoy en día su Gay Men’s Chorus y la ciudad condal no podía ser menos. Ya habíamos visto al Barcelona Gay Men’s Chorus en alguna ocasión y nos habían volado la peluca pero es que en su último espectáculo han decidido pasar al siguiente nivel.

Este coro compuesto principalmente por hombres gays (nada más y nada menos que 63) está dirigido por Gerard Ibáñez (‘Oh Happy Day’, ‘Broadway A Capella’…), que capitanea este barco con la pasión que requiere un proyecto así. Este coro suele presentar una propuesta musical llena de ‘hits’ pop y pop-rock pero esta vez tienen unas invitadas muy especiales. Durante las cinco noches que durará el espectáculo en el Teatre Condal (del 10 al 14 de mayo) pasarán por el escenario cinco divas del pop de nuestro país para acompañar al coro y para cantar algunos de sus propios temas más emblemáticos. Ayer tuvimos el placer de comprobar como para Natalia (sí, la de OT 1) no pasan los años y nos lo pasamos en grande volviendo a nuestra adolescencia con temazos como Vas a Volverme Loca o Besa mi piel, pero aun tenéis oportunidad de disfrutar de Soraya, Nerea, Lorena Gómez o Sharonne (con visionado y fiestón Eurovisivo tras el concierto, por si aun no tenéis plan para ver la Gala de este sábado).

El show es una auténtica fiesta (el medley final, apoteósico) pero también tiene sus momentos emocionantes y reivindicativos. Es un canto a la diversidad y a la libertad de amar a quien uno quiera, pues el amor no entiende de géneros. En el coro hay gente de todas las edades y perfiles, disfrutando de ser quien quiere ser. Para tratarse de un coro amateur, el nivel de motivación e implicación de todos y cada uno de sus miembros es increíble. Mires a quien mires, está concentradísimo, a la par que divirtiéndose y dándolo todo en el escenario en todo momento. Y qué decir de los solistas… Voz, seguridad… No nos extraña que el coro lleve tantos años funcionando teniendo líderes así. La conexión entre todos ellos y con su director es palpable y se transmite al público sin filtros.

A nivel técnico, el espectáculo, dirigido por el propio Gerard Ibáñez, es totalmente profesional (de nuevo, la palabra «amateur» la perdieron en algún momento del camino). Se han currado un guión, coreografías…, el vestuario está pensadísimo, los arreglos musicales y vocales son de ensueño, las luces acompañan en todo momento a lo que está pasando en escena… Podemos destacar numerazos como It’s Raining Men, Eye of the Tiger o el gran himno de Shania Twain, Man! I Feel Like a Woman, pero os aseguramos que el nivel de energía no baja en ningún momento y no deja espacio para el aburrimiento.

Por si todo lo que os hemos contado aun no os ha convencido, tenéis que saber que el BGMC, encima, es un coro solidario. Aparte de dar visibilidad al colectivo LGTBQ+, lo que recaude este espectáculo estará destinado a «Casal dels Infants«. Además, todas las funciones son totalmente accesibles para personas sordas, con una intérprete en lengua de signos en el escenario. ¡Todo son ventajas!

El mensaje del show es claro: ¡todos podemos ser nuestros propios reyes y reinas!. Si quieres pasar un buen rato, corre al Teatre Condal de Barcelona y déjate contagiar por la buena energía que transmite el BGMC y sus reinas invitadas.

Paola Marín

ENTREVISTA A JOSÉ SACRISTAN

Esta semana hemos tenido en el Teatro Olympia de Valencia de nuevo la obra “Señora De Rojo Sobre Fondo Gris” protagonizada por José Sacristán

José Sacristán, dirigido por José Sámano, devuelve a la vida este texto de Miguel Delibes en el que cuenta la historia de su vida junto a su esposa, Ángeles de Castro, retrata la personalidad de esta mujer que lo fue todo para él y, sobre todo, describe el proceso de la enfermedad que le condujo a una muerte inesperada a los 48 años. 

La obra cuenta la historio, en forma de monologo de un pintor con muchos años en el oficio que lleva tiempo sumido en una crisis creativa. Desde que falleció de forma imprevista su mujer, que era todo para él, prácticamente no ha podido volver a pintar. Estamos en el verano y otoño de 1975. La hija mayor de ambos está en la cárcel por sus actividades políticas, y es en esas fechas cuando surgen los primeros síntomas de la enfermedad de su madre que la hija vivirá desde dentro de la prisión. Es otro recuerdo permanente en la vida de su padre, que también ahora revive

Tuvimos la suerte de que el sr. Sacristán nos pudiera hacer un hueco en su apretada agenda para contestarnos unas preguntas. A continuación, podréis leer lo que nos contó.

BIS: Era usted amigo de Delibes, ¿Cómo surgió la adaptación de esta obra? Parece ser que inicialmente no estaba muy a favor de esta adaptación…

JS: Nunca lo estuvo, el permiso definitivo nos lo dieron sus hijos. Él consistió, algo más de dos años antes de morir, que yo hiciera una lectura dramatizada de un par de pasajes de la obra. Cuando se publicó la novela yo estaba haciendo una obra suya, Las guerras, pero Miguel (Delibes) me dijo siempre que no quería que nadie le pusiese cara al personaje porque él no le había puesto la suya. Pero yo quedé fascinado desde un primer momento con la novela y conseguí convencer a mi amigo Pepe Sámano, que falleció lamentablemente poco después del estreno en Barcelona, y nos pusimos a hacer la adaptación, pero ya digo, el permiso definitivo nos lo dieron sus hijos. 

BIS: La obra habla del duelo, de cómo el personaje se enfrenta a la enfermedad y posterior muerte de su esposa, y cómo ello le condiciona en su vida y en su proceso creativo. ¿Interpretar este personaje ha influido de alguna forma en su manera de afrontar el duelo?

JS: No. Yo hablé mucho con Miguel, tuve ocasión de conocerle… Falleció mi madre durante las representaciones de Las Guerras y hablamos mucho sobre el dolor, la pena… pero ya tiene uno su propia experiencia. Lo que sí es el privilegio de poder hacer una obra como esta, tener un material dramático de esta calidad. Y luego en lo personal poder rendir un homenaje a una persona con la que tuve el privilegio de tener una amistad. Siempre de algo te sirve, el amor al trabajo y encarnar vidas ajenas siempre afecta e impacta con la tuya, pero no es el caso de modificar nada.

BIS: ¿Qué es lo más duro de interpretar esta obra, con el torbellino de emociones que conlleva…?

JS: Duro nada, al contrario, aunque parezca una paradoja. La facilidad viene dada por la bondad del texto, cómo Miguel construía los personajes, la riqueza de matices, sobretodo los pequeños detalles. La única dificultad puede darse porque todos los días hay que hacer que la función esté viva. Que lo que vea un día un espectador ni lo haya visto el del día anterior ni lo vaya a ver el que venga el día después. Pero para mí esto no ha supuesto nunca ninguna dificultad sino todo lo contrario. 

BIS: Con una carrera tan dilatada como la suya, mirando al pasado, ¿que le diría a su yo de los inicios?

JS: Pues iba a decir una vulgaridad, pero diría que olé mis testículos. La satisfacción de volver la vista atrás y reconocerme en mis errores, las meteduras de pata y los atropellos que haya podido cometer, pero celebrar que aquel crío que un día vio una película en el cine de su pueblo decidió que esto era lo que él quería hacer, no siendo nada fácil, celebrar el estar aquí, siguiendo en la brecha.

BiS: ¿Se daría algún consejo?

JS: No, antes monja que dar consejos. Porque esto es una cosa personal, que cada uno o cada una lo enfrente según su vocación, su ánimo y sus voluntades.

BiS: En una carrera tan prolífica como la suya no se ha ceñido a ningún género y podríamos decir que ha tocado todos los palos… ¿hay alguno que quede más cerquita de su corazón?

JS: No. No tengo preferencias ni por géneros ni por medios. El teatro es probablemente la tabla de gimnasio mas completa para un actor, pero le tengo muchísimo respeto a la cámara. Y por otra parte nunca me ha parecido mas difícil hacer una tragedia griega que un vodevil. He hecho musicales, he hecho zarzuela… es una suerte transitar por todos estos géneros y pasártelo pipa.

BiS: Y de todo esto, ¿hay alguno o un top 5 que recuerde con más cariño?

JS: Uno solo no te sabría decir, están todos ahí metidos, forman parte de mi vida todos ellos.

BiS: Cuando empezó a promocionar esta obra por 2018 dijo que cabía la posibilidad de que se acabara retirando con esta obra…

JS: Yo lo que dije es que tengo ya una edad, tengo 85 años, iba a ser muy difícil que encontrase un texto como este, pero ya lo he encontrado. El sentido común me hace ir pensando en la posibilidad de quedarse en casa, pero nunca retirarme ¡ni muchísimo menos!. De hecho, si todo va bien acabaremos con Señora De Rojo, o la aparcaremos, en Buenos Aires a finales de año y ya para el año que viene tengo previsto con Juan Mayorga una obra suya para La Abadía. 

BiS: ¿Qué tiene que tener una obra, un proyecto, para que le tiente?

JS: Que me guste, solamente. Normalmente suelo ser una buena correa transmisora de sentimientos, sentires o padeceres del ciudadano medio. Me gusta hacerme cargo de personajes que, a parte de lo que le pueda gustar a la gente, sean de alguna utilidad, aunque sea por un ratito solo. Nosotros no cambiamos la historia, pero espero que le sea de utilidad a alguien.

Click aquí para ver las próximas paradas de la gira. ¡No os arrepentiréis!

M.

LOS MONÓLOGOS DE LA VAGINA

Los Monólogos de la Vagina no pasan de moda. Cualquiera pensaría que una obra que se estrenó el 3 de octubre de 1996 en Nueva York podría haberse quedado anticuada… Sin embargo la lucha contra la violencia de género urge más que nunca, o tanto como siempre.

La escritora feminista Eve Ensler creó en su día este espectáculo basándose en 200 entrevistas realizadas a mujeres de forma casual. El grandísimo interés que suscitó el tema, convirtiéndose incluso en un icono que se ha representado por todo el mundo (en nada más y nada menos que 120 países) durante más de 25 años, reflejó la falta que hacía que alguien hablara de la sexualidad femenina sin tapujos. Nosotras pudimos disfrutar de la última y renovada versión que puede verse en el Teatre Aquitania de Barcelona, con tres actrices de bandera: Alicia González, Meritxell Huertas (que fue nuestra favorita, en una interpretación memorable) y Laia Alsina.

Ésta comedia sobre las mujeres y su sexualidad, los tabús sociales, la represión  y la incultura sexual te hará morir de la risa pero, no nos engañemos, trata de un tema muy serio… La sexualidad de la mujer es aun un tema incómodo, difícil de hablar para muchos. Por eso es importante que se trate con humor y naturalidad. No esperéis el típico monólogo graciosillo de relaciones o diferencias entre hombres y mujeres, porque no lo encontraréis. En este espectáculo se habla de vaginas (con todas sus letras) y de cómo nosotras nos relacionamos con esa parte de nuestro cuerpo que durante siglos ha estado tan estigmatizada (¡nos encantaron las interacciones con el público!).

De momento, parece que solo estarán en Barcelona hasta el 12 de marzo. Si quieres pasar un buen rato y salir del teatro más empoderada que nunca, corre a por tu entrada.

Pd: Los hombres de la sala, aunque pocos, también se lo pasaron en grande.

Paola Marín

HOLLYWOOD EN BARCELONA CON PRETTY WOMAN, EL MUSICAL

Hay películas icónicas que puedes reconocer por una frase, por un par de acordes de su banda sonora o incluso por su vestuario… y luego está Pretty Woman. La película de 1990 protagonizada por Richard Gore y Julia Roberts y que si no podemos decir que lanzara la carrera de sus protagonistas, sí los ensalzó hasta convertirlo a él en uno de los galanes de los 90 y a ella en «la novia de América». Si no sabéis de qué película hablamos, habéis vivido en una cueva estos últimos 30 años porque teniendo en cuenta la de veces al año que la emiten en la tele, te tienes que esforzar para evitarla.

La película es un giro a la historia de cenicienta, el típico cuento de la doncella que conoce a un príncipe que la salva… cambiando doncella por prostituta y príncipe por tiburón empresarial. Y es que nos cuenta la historia de Vivian, una prostituta de LA, que conoce a Edward cuando éste se pierde de camino su hotel y decide contratarla para que le ayude a llegar… y «lo que surja». Lo que iba a ser solo una noche se acaba convirtiendo en un contrato de una semana para que se haga pasar por su novia y le ayude a congraciarse con unos clientes.

El musical se estrenó en Chicago y de ahí se trasladó al Nederlander Theater de Broadway. Originalmente con canciones de Bryan Adams y Jim Vallance, y un libreto de Garry Marshall y JF Lawton, la traducción al castellano ha venido de la mano de José Arqué y Marc Gómez.

En los papeles protagonistas nos encontramos a Cristina Llorente como Vivian, quien tiene la tremendamente difícil tarea de hacernos olvidar a Julia Roberts. Y es que el personaje de Vivian no se puede entender sin Roberts hasta el punto que la famosa escena del estuche del collar fue improvisada y su grito y carcajada son 100% auténticos. No obstante, Llorente está sobresaliente en papel, tanto a nivel vocal como interpretativo. El otro papel protagonista lo encarna nuestro querido Roger Berruezo, quien derrocha todo su carisma como galán, consiguiendo ese equilibrio entre magnetismo y vulnerabilidad tan complicado. En cuanto al resto del elenco, se trata de un elenco coral de mucha calidad con muy buena química y alto nivel tanto vocal como en los bailes, nada que envidiar a lo que podríamos encontrar en escenarios como los del West End. Sin embargo, no podemos dejar de destacar a Erika Bleda, que brilla con luz propia por su energía y ese vozarrón que da igual que oigamos entre hippies, en un campamento cristiano o «haciendo la esquina» en Hollywood boulevard siempre nos deja fascinadas.

Además, tenemos que hablar del vestuario, firmado por la conocida marca Pronovias, reproduce y actualiza los vestidos más icónicos de la película… una auténtica fantasía para cualquier fan de la película.

Si tuviéramos que sacarle punta a algo, este musical entra dentro de esa categoría de películas noventeras que han envejecido regular vistas desde el prisma del año 2022, porque no podemos olvidar que al fin y al cabo, Vivian vende su cuerpo y la película nos endulza una realidad que no deja de ser bastante dramática. Y, aunque en el musical el personaje de Kit decide hacer un gran cambio en su vida, parece que la única forma de salir de ese oscuro mundo es si te saca un millonario.

Con todo esto, Pretty Woman es un musical muy completo y entretenido, hace que se te pasen las 2 horas y pico que dura volando. Ideal para regalar estas navidades o como plan (no apto para niños) alternativo al bullicio de la ciudad.

M.

PARES NORMALS

Hace mucho tiempo que no veíamos un nuevo musical original en catalán con tantas posibilidades como este. Pares Normals tiene muchos de los ingredientes para ser un éxito. Es un musical con canciones de uno de los grupos de moda de los últimos años: Els Amics de les Arts. Esta banda de la nueva era del folk-pop catalán nos gusta desde hace años por las historias que cuentan sus canciones (siempre habíamos pensado que eran muy teatrales), y el buen rollo y la verdad que transmiten y no nos sorprendió enterarnos que estaban trabajando en la creación de un nuevo musical. Después de dos años de trabajo conjunto con la productora Minoria Absoluta y el escritor Marc Artigau ha nacido Pares Normals y, después de haberlo visto, os aseguramos que la aventura de este pequeño gran musical solo acaba de empezar.

La historia de Pares Normals puede ser fácilmente la tuya, la de tu amigo o la de tu vecina. Un protagonista algo perdido, una familia poco común, pero con personajes entrañables y realistas y un final lleno de ternura que va directo al corazón. ¿Quien no ha culpado de sus inseguridades a sus padres alguna vez? Luego crecemos, les entendemos y comprendemos que lo hicieron como mejor supieron… Esto le sucede a Aran, el protagonista de esta historia. Vive en Chicago, trabaja en un prestigioso bufete de abogados y tiene una novia «perfecta» con la que se va a casar. El vivo retrato del sueño americano. Cuando vuelve a Barcelona para contarle a sus padres la noticia de su boda, todo cambiará… Aran se verá forzado a emprender un viaje por su pasado, por su infancia y adolescencia, por esos momentos en que sus padres le avergonzaron o no le dieron el apoyo que necesitaba… que cambiará su forma de ver la vida para siempre.

Las canciones son preciosas, completamente fieles al estilo de Els Amics de les Arts, y conducen al espectador a través de la historia de forma muy orgánica, gracias también a la dirección escénica de Sergi Belbel. Con música en directo y las espectaculares voces del elenco de Pares Normals los temas lucen en su máximo esplendor (si hubiesen vendido el CD a la salida, lo hubiésemos comprado).

Hay dos cosas que claramente se tuvieron en cuenta a la hora de elegir el elenco: la capacidad vocal y las dotes para la comedia. Enric Cambray es un Aran cercano y su química con Julia Bonjoch es innegable. Los padres nada normales de Aran son Annabel Totusaus (que se come el escenario) y Albert Pérez, y aportan la dosis perfecta de diversión y delicadeza. Los personajes secundarios no se quedan atrás y encontramos un camaleónico cast lleno de grandes nombres del teatro musical de nuestro país (Lucía Torres, Bernat Cot, Anna Herebia y Víctor Gómez), capaces de cantar, interpretar a varios personajes (algunos desternillantes) e incluso bailar las coreografías de Marta Tomasa.

Si queréis emocionaros, reíros, recordar vuestra infancia y escuchar buena música…, no hay mejor plan este mes que ir a ver Pares Normals al Teatre Poliorama tras dar un paseo por Las Ramblas iluminadas con las luces de Navidad (y si es con vuestros padres, mejor).

Paola Marín

El guardaspaldas, el musical

Si hay una canción que consiga ponerte romántico, aunque no lo seas, posiblemente sea I will always loves you. Y quien lo niegue, miente. Nadie puede resistirse a la voz de Whitney Houston cantando este clásico romántico que perdura de generación en generación. Y los componentes del espectáculo de El guardaespaldas, el musical lo saben. 

Una historia que todo el mundo conoce y buena música, no hace falta más para que esta obra funcione. Y si le acompañan un buen elenco y una buena escenografía mejor que mejor. Y si, es que está producción de El Guardaespaldas nos dejó muy buen sabor de boca.

La historia es sencilla, Rachel Marron es una super estrella, y Frank Farner su guardaspaldas, que intentará protegerla de un acosador bastante peligroso. Pero obviamente, si no hay amor, no hay historia, pero no diré nada más por si alguien no ha visto la mítica película (que si no lo habéis hecho, ¿a qué estáis esperando?).

Pero si la habéis visto, la música no decepciona, porque vais a conocerla. Canciones icónicas como I will always loves you o las nominadas en su día a los Óscars I have nothing y Run to you, y muchas más, conforman la banda sonora de esta histora. Aunque, quizá en este punto es donde me ponga más crítica. Y es que el nombre dice «El guardaespaldas, el musical», pero siendo objetivos debería ser solo el guardaespaldas. Obviamente tiene música, pero la película nunca fue un musical, es un romance. Es una obra de teatro con canciones. Aunque he aquí el eterno debate en si se debe considerar musical una obra con canciones o una obra en la que todo el mundo se expresa con las canciones. Dígamos que está se queda un poco a caballo entre ambas, pues las canciones son necesarias pero solo dos personajes se expresan a través de ellas, apoyados a veces por el coro.

Igualmente, ambos personajes, la protagonista Rachel y su hermana, Nikki, son perfectamente defendidos por las actrices Mireia Mambo y María Jaráiz. Aunque hemos de decir, que en nuestra actuación, el papel protagonista fue defendido por Luna Manzanares. La cover hizo una interpretación maravillosa, porque, desde mi punto de vista, defender un papel así es muy difícil, pues hay bastantes momentos que solo está ella en el escenario, la música de fondo, y el público, casi como un concierto, bueno, de hecho (pequeño spoiler) se escenifican conciertos. Pero lo dicho, gran interpretación y gran voz. Aunque estamos seguros, que, a pesar de que no pudimos ver a Mireia, con su voz descomunal no defrauda a nadie.

Por otro lado, tenemos al otro protagonista, Octavi Pujades. Cuando el referente de la gente es Kevin Costner en los 90 la cosa está muy difícil, pero hemos de decir que enhorabuena Octavi, eres un gran guardaspaldas, y, por supuesto, un gran actor. Por otro lado, está el antagonista, el acosador de la super estrella, interpretado por Javier Martínez. El elenco lo completan Alfonso Nsue como Bill Devany, Sergi Albert como Sy Spector, y Alberto Cañas como Tony Scibelli.

Por último a destacar, es una obra de teatro muy bien cuidada en los detalles, y lo técnico no se queda atrás. El montaje que pudimos ver en el Teatro Olympia era brutal, un suelo técnico formado por una plataforma inclinada ampliaba el espacio de actuación del elenco y de los objetos de escenografía, que entraban y salían a la perfección. Una idea efectiva que visualmente nos fascinó. A parte, el juego de luces está muy bien elegido pues en todo momento las luces refuerzan el contexto, aunque avisamos, si tienes algún tipo de epilepsia cuidado (avisan también antes de la función).

El guardaspaldas, el musical estará en el Teatro Olympia de Valencia hasta el 11 de diciembre. Si queréis pasar una velada romántica, os recomendamos comprar vuestras entradas cuanto antes.

LJ

CRUZ DE NAVAJAS EN LA CÚPULA DE LAS ARENAS

El pasado martes nos fuimos de estreno por partida doble. El espectáculo Cruz de Navajas ha aterrizado en Barcelona y el nuevo y espectacular espacio de la cúpula de las Arenas, convertido en teatro, se ha inaugurado. Se habla mucho de la increible temporada teatral de Madrid, pero Barcelona también tiene una oferta de espectáculos y musicales considerable que hay que aprovechar. A los teatros clásicos de la ciudad (muchos de ellos con musicales en cartel) se une este nuevo (y gran) espacio para las artes escénicas que esperamos que se llene durante mucho tiempo y nos traiga grandes espectáculos.

Inaugurar esta cúpula con Cruz de Navajas es todo un acierto. Este concierto escenificado es un tributo a Mecano y hará las delicias de todos los fans del emblemático grupo de música pop de la movida madrileña. No faltan los grandes éxitos de la banda e incluso hay alguna sorpresilla más (solo os diremos que el la gente se levantó de sus butacas para darlo todo en varias ocasiones). El espectáculo invita al público a bailar, cantar y emocionarse sin límites durante toda la función. Aunque no es un musical y carece de hilo conductor, Cruz de Navajas tiene que vivirse y es toda una experiencia.

Voces espectaculares (destacando a Laura Alcoba y Mikel Herzog, cuyos numerazos nos quitaron el hipo), artistas invitados (Joan Liaño y Scorpio del Talent Show Eufòria), bailarines y coreografías sorprendentes, música en directo, proyecciones visual y técnicamente espectaculares y hasta acrobacias… Cruz de Navajas tiene de todo y no hay ni un segundo de tregua o aburrimiento.

Hay números para todos los gustos. A nosotras nos encantaron «Hijo de la Luna» o «Aire«, de una sensibilidad exquisita, la elegante «No hay marcha en Nueva York» y los medleys del musical «Hoy no me puedo levantar«, que son nuestra debilidad. No faltaron himnos como «Mujer contra Mujer«, «La fuerza del destino» o «Un año más«, pero también tuvieron su espacio canciones de Mecano «menos conocidas» como «Heroes de la Antártida» o «El Blues del Esclavo«.

El elenco lo completan Lieta Molinet, Mireia Orrit, Lucía Bentabol, Tania Simón, Aser León y Sofía Rangone (os reiteramos que todas las voces son realmente impresionantes) y el cuerpo de baile lo componen Sergio Melantuche, Sara Garijo, Carlos Vela, Cristina Burgos, Ender Bonilla, Cristian Giraldo, Alba Rubira y Vicky Gómez (como swing). El espectáculo cuenta con nueve músicos en directo (dirigidos por Dani HDZ) y tenemos que reconocer que el solo de saxo nos puso le piel de gallina…

Gonzalo Pérez Pastor, productor y director del espectáculo, ha puesto toda la carne en el asador para crear este SHOW con mayúsculas. Si te gusta Mecano, ¡no puedes perdértelo!

Paola Marín

TODOS SOMOS UN POCO REBELDES EN MATILDA, EL MUSICAL

Cuando hablamos de esos musicales que se ganan un huequito en nuestros corazones y en nuestras playlists, aquellos que por mucho que pase el tiempo no podemos dejar de escuchar, de tararear o de cantar todas las voces de la canción, en seguida nos vienen a la mente grandes nombres como Les Misérables. Pero, en ocasiones, llega ese musical que nos sorprende, que nos enamora y que aún no hemos salido del teatro y ya estamos deseando repetir. Matilda fue uno de esos musicales para mi. Cuando lo vi por primera vez en el Cambridge Theatre de Londres, allá por 2015, ya iba sobre aviso, tenía unas críticas espectaculares y ya se había trasladado también a Broadway, así que no fue ninguna sorpresa, conocía las canciones de Tim Minchin y estaba totalmente predispuesta a dejarme conquistar.

Por todo esto, quienes me conocéis imaginaréis la aprensión con la que entraba al Nuevo Teatro Alcalá de Madrid hace unas semanas. Matilda, por fin en España después de años de rumores y de preparación, de la mano de SOM Produce, traducido por primera vez al castellano. Emoción y terror a partes iguales. Y es que Matilda probablemente sea de los musicales más complicados de traer a nuestros escenarios. Por un lado, necesitas una caterva de niños que canten, bailen y actúen, no de fondo sino con solvencia como para llevar el hilo de un musical (¡¡esta producción tiene nada menos que 58 chiquillos!!). Por el otro, quien haya escuchado el álbum se habrá dado cuenta de la maestría de las letras de Tim Minchin, llenas de juegos de palabras y tesoros escondidos… sencillito de adaptar a un nuevo idioma…

Pues bien, Matilda aprobó con nota mi muy exigente examen. La adaptación de las canciones por Alejandro y David Serrano superó mis expectativas y sólo acabé echando de menos aquel abecedario escondido de The School Song (que reconozco es prácticamente intraducible literalmente). En cuanto a los niños, parece que lleven toda la vida sobre las tablas, se nota calidad de su formación.

No voy a entrar en detalle en la historia, ya que es de sobra conocida, basada en el clásico de Roald Dahl y llevado al cine en 1996, cuenta la historia de Matilda Wormwood una niña excepcional que desarrolla poderes telequinéticos que le ayudan a lidiar con su «especial» familia y la malvada directora de su colegio.

Si bien es cierto que con canciones tan pegadizas, una historia tan dulce y una escenografía tan lograda (firmada por Ricardo Sánchez-cuerda) tenían gran parte ganado, acaba de redondear el espectáculo un elenco soberbio. Absolutamente todos los niños están brillantes, incluida nuestra Matilda, que llevó la función con una solvencia que ya querrían muchos adultos. Pero no voy a nombrar específicamente a ninguno de ellos ya que estoy convencida de que todos los diferentes elencos infantiles tienen la misma calidad. En cuanto a los adultos sí merecen mención especial Allende Blanco como la dulcísima Miss Honey y Mary Capel como la exuberante Mrs. Wormwood. No obstante, nuestro corazón se lo llevó Oriol Burés desde su primer segundo en escena como la malvadísima Trunchbull. No sólo es un actorazo de una calidad vocal sobresaliente, sino que se nota cuánto disfruta su papel de diva malvada (porque hay que reconocer que la señorita Trunchbull es toda una diva a su manera) y con cada «¡gusanos!» nos conquistaba un poquito más hasta convertir al público en los fans nº1 de la campeona de lanzamiento de martillo de 1969 ;).

Matilda es un musical para toda la familia, lo disfrutarán los niños que conozcan por primera vez la historia y los no tan niños que redescubran de nuevo una de las películas más icónicas de nuestra infancia. Un must en el Nuevo Teatro Alcalá de Madrid, que bien merece una excursión a la capital.

Porque, de vez en cuando todos necesitamos que nos recuerden que «cada día empieza con el tic del reloj, todas las fugas empiezan con el click del cerrojo. Si estás atascado en tu historia y quieres escapar, no debes llorar, no debes gritar. Porque incluso si eres pequeño puedes hacer cosas grandes. Si te quedas plantado y dejas que se te suban a la chepa, no cambiarás nada«*.

M.

*Every day starts with the tick of a clock.
All escapes start with the click of a lock.
If you’re stuck in your story and want to get out,
You don’t have to cry; you don’t have to shout.

‘Cause even if you’re little, you can do a lot, you
Mustn’t let a little thing like ‘little’ stop you.
If you sit around and let them get on top, you
Won’t change a thing.

– Naughty (Matilda, The Musical)

VIAJA A FANTASIA DE LA MANO DE LA HISTORIA INTERMINABLE, EL MUSICAL.

El reino de Fantasia está en peligro, la nada está haciendo desaparecer a sus personajes y solo Atreyu, el joven enviado por la Emperatriz Infantil podrá hallar la solución… os suena, ¿verdad?

El famoso libro de Michael Ende, publicado por primera vez en alemán en 1979 y desde entonces traducido a más de 36 idiomas y adaptado posteriormente al cine (Wolfgang Petersen, 1984), se ha trasladado a los escenarios de la mano de BeOn Entertainment.

Como os adelantaba al principio de la entrada, el musical nos cuenta la historia de Bastian, un niño que, huyendo de unos matones del cole, se encuentra un libro que cuenta como está desapareciendo el reino de Fantasia y un joven llamado Atreyu debe encontrar la solución. No obstante, todo se complica cuando Bastian descubre que él puede tener un papel muy importante en esa salvación.

Con música de Iván Macías, libreto de Félix Amador y dirección de Federico Barrios, este musical nos trae un espectáculo de primerísima calidad tanto técnica como artística que no desentonaría en un escenario londinense o en el mismísimo Broadway. Nombres de sobra conocidos de los escenarios españoles como Josean Moreno (Fúyur), Álex Forriols (Gmork) o Teresa Ferrer (Xayide) están impecables una vez más, pero debemos destacar a nuestro Atreyu de la noche, Pablo Castiñeira, que en su juventud supo llevar la función con unas tablas que ya les gustarían a muchos.

No obstante, el punto fuerte del espectáculo (y que nos dejó boquiabiertas en más de una ocasión) es la animatrónica. Con la firma de Fito Dellidarla y Alejandra Varela (Kreat FX), personajes como Fúyur, el Comerrocas o la Vetusta Morla cobran vida de la forma más creíble posible. Otro de los personajes más impresionantes es el caballo Artax, que te hace mirar dos veces para asegurarte que no es un caballo real cuando sale a escena y se acerca mucho al nivel de maestría que pudimos disfrutar cuando vimos War Horse en UK.

El punto más flojo del musical lo encontramos en la narración en sí, que ocasionalmente te lleva a preguntarte quién está en escena, cómo se ha llegado allí o por qué está sucediendo qué cosa si no eres muy fan de la historia o tienes reciente la película o el libro. Un sentimiento que queda reflejado a la perfección cuando Bastian le cuenta a su padre: «y cantamos la canción favorita de mamá… en inglés«. Porque efectivamente, ese momento en el que se canta «The Neverending Story», la canción compuesta para la película de 1984, en inglés tiene poco sentido en un musical repleto de canciones originales en español.

Con todo, La Historia Interminable, el musical, es un nuevo #MUST de la temporada teatral madrileña que no os podéis perder en el Teatro Calderón de Madrid.

M.

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