Parece difícil que cuentos escritos en el siglo XX se concretan en auténticos clásicos infantiles, pero Roald Dahl tenía la clave para ello, ya que podemos situar varias de sus creaciones en dicha categoría: Matilda y Charlie y la fábrica de chocolate. Ambos llevados al cine. Ambos trasladados posteriormente a los escenarios en forma de musical con gran éxito.
Es de este último del que quiero hablaros hoy. Y es que el musical Charlie y la fábrica de chocolate se encuentra de gira por nuestro país después de una exitosa temporada en Madrid. Protagonizado por uno de los nombres con mas peso en el panorama del teatro musical de nuestro país, Daniel Diges como Willy Wonka, cuenta la historia del cómo Charlie Bucket, un niño pobre que sueña con crear dulces como su héroe, el dueño de la fábrica de chocolate de su pueblo, Willy Wonka. Pronto, la suerte de Charlie cambiará cuando consigue entrar a una visita única junto con otros niños afortunados a la famosa fábrica.
El musical cuenta con libreto de David Creig y canciones por los ganadores de varios Tonys, Marc Shaiman y Scott Wittman. A nuestro país ha llegado de la mano de la productora Lets Go, con adaptación de Silvia Montesinos y bajo la dirección de Federico Fellone. El reparto cuenta con nombres de sobra conocidos en nuestro país como Daniel Diges (Wonka), Esteban Oliver (Abu Joe), Ana Dachs (Mrs. Bucket), Javier Enguix, Malia Conde, Alex Arce… En nuestra función el papel de Charlie lo interpretó Christian Velert, que ha sido un gran descubrimiento tanto a nivel vocal como interpretativo. No podemos dejar de destacar a Daniel Diges, que está como siempre excelente y se metió al público en el bolsillo desde su primera aparición (además de dejarnos a todos boquiabiertos con cierto pasodoble), y a Ana Dachs, que nos puso la piel de gallina y derrocha ternura además de calidad. Si le tuviéramos que sacar alguna pega, es que el personaje de Charlie tiene teóricamente menos de 10 años y claro, por joven que sea Velert no aparenta ni transmite la inocencia de un niño de 8 años.
En cuanto a la producción en sí, aún estamos intentando asimilar la calidad de esta gira. El teatro Olympia de Valencia, aunque precioso, tiene el handicap de que empezó siendo un cine, por lo que tiene un espacio entrecajas (lo que comúnmente se conocería como backstage) muy pequeño, por lo que siempre es un reto montar grandes producciones aquí: suelos técnicos super empinados, quitando atrezzo no indispensable y apretándose mucho, mucho todo el elenco… No obstante, Charlie y la fábrica de chocolate cuenta con un elenco de más de 20 personas y una escenografía muy completa. Además, de unos trucos tremendamente conseguidos, que dejaron a toda la platea con la boca abierta.
El musical Charlie y la fábrica de chocolate se encontrará en Valencia hasta el próximo sábado, pero no dudéis en visitar su web para descubrir el resto de ciudades por las que pasará (por ejemplo, Barcelona en marzo).
¡No os podéis perder este viaje por la imaginación que a nosotras nos dejó enamoradas!
Esta semana hemos tenido en el Teatro Olympia de Valencia de nuevo la obra “Señora De Rojo Sobre Fondo Gris” protagonizada por José Sacristán.
José Sacristán, dirigido por José Sámano, devuelve a la vida este texto de Miguel Delibes en el que cuenta la historia de su vida junto a su esposa, Ángeles de Castro, retrata la personalidad de esta mujer que lo fue todo para él y, sobre todo, describe el proceso de la enfermedad que le condujo a una muerte inesperada a los 48 años.
La obra cuenta la historio, en forma de monologo de un pintor con muchos años en el oficio que lleva tiempo sumido en una crisis creativa. Desde que falleció de forma imprevista su mujer, que era todo para él, prácticamente no ha podido volver a pintar. Estamos en el verano y otoño de 1975. La hija mayor de ambos está en la cárcel por sus actividades políticas, y es en esas fechas cuando surgen los primeros síntomas de la enfermedad de su madre que la hija vivirá desde dentro de la prisión. Es otro recuerdo permanente en la vida de su padre, que también ahora revive
Tuvimos la suerte de que el sr. Sacristán nos pudiera hacer un hueco en su apretada agenda para contestarnos unas preguntas. A continuación, podréis leer lo que nos contó.
BIS: Era usted amigo de Delibes, ¿Cómo surgió la adaptación de esta obra? Parece ser que inicialmente no estaba muy a favor de esta adaptación…
JS: Nunca lo estuvo, el permiso definitivo nos lo dieron sus hijos. Él consistió, algo más de dos años antes de morir, que yo hiciera una lectura dramatizada de un par de pasajes de la obra. Cuando se publicó la novela yo estaba haciendo una obra suya, Las guerras, pero Miguel (Delibes) me dijo siempre que no quería que nadie le pusiese cara al personaje porque él no le había puesto la suya. Pero yo quedé fascinado desde un primer momento con la novela y conseguí convencer a mi amigo Pepe Sámano, que falleció lamentablemente poco después del estreno en Barcelona, y nos pusimos a hacer la adaptación, pero ya digo, el permiso definitivo nos lo dieron sus hijos.
BIS: La obra habla del duelo, de cómo el personaje se enfrenta a la enfermedad y posterior muerte de su esposa, y cómo ello le condiciona en su vida y en su proceso creativo. ¿Interpretar este personaje ha influido de alguna forma en su manera de afrontar el duelo?
JS: No. Yo hablé mucho con Miguel, tuve ocasión de conocerle… Falleció mi madre durante las representaciones de Las Guerras y hablamos mucho sobre el dolor, la pena… pero ya tiene uno su propia experiencia. Lo que sí es el privilegio de poder hacer una obra como esta, tener un material dramático de esta calidad. Y luego en lo personal poder rendir un homenaje a una persona con la que tuve el privilegio de tener una amistad. Siempre de algo te sirve, el amor al trabajo y encarnar vidas ajenas siempre afecta e impacta con la tuya, pero no es el caso de modificar nada.
BIS: ¿Qué es lo más duro de interpretar esta obra, con el torbellino de emociones que conlleva…?
JS: Duro nada, al contrario, aunque parezca una paradoja. La facilidad viene dada por la bondad del texto, cómo Miguel construía los personajes, la riqueza de matices, sobretodo los pequeños detalles. La única dificultad puede darse porque todos los días hay que hacer que la función esté viva. Que lo que vea un día un espectador ni lo haya visto el del día anterior ni lo vaya a ver el que venga el día después. Pero para mí esto no ha supuesto nunca ninguna dificultad sino todo lo contrario.
BIS: Con una carrera tan dilatada como la suya, mirando al pasado, ¿que le diría a su yo de los inicios?
JS: Pues iba a decir una vulgaridad, pero diría que olé mis testículos. La satisfacción de volver la vista atrás y reconocerme en mis errores, las meteduras de pata y los atropellos que haya podido cometer, pero celebrar que aquel crío que un día vio una película en el cine de su pueblo decidió que esto era lo que él quería hacer, no siendo nada fácil, celebrar el estar aquí, siguiendo en la brecha.
BiS: ¿Se daría algún consejo?
JS: No, antes monja que dar consejos. Porque esto es una cosa personal, que cada uno o cada una lo enfrente según su vocación, su ánimo y sus voluntades.
BiS: En una carrera tan prolífica como la suya no se ha ceñido a ningún género y podríamos decir que ha tocado todos los palos… ¿hay alguno que quede más cerquita de su corazón?
JS: No. No tengo preferencias ni por géneros ni por medios. El teatro es probablemente la tabla de gimnasio mas completa para un actor, pero le tengo muchísimo respeto a la cámara. Y por otra parte nunca me ha parecido mas difícil hacer una tragedia griega que un vodevil. He hecho musicales, he hecho zarzuela… es una suerte transitar por todos estos géneros y pasártelo pipa.
BiS: Y de todo esto, ¿hay alguno o un top 5 que recuerde con más cariño?
JS: Uno solo no te sabría decir, están todos ahí metidos, forman parte de mi vida todos ellos.
BiS: Cuando empezó a promocionar esta obra por 2018 dijo que cabía la posibilidad de que se acabara retirando con esta obra…
JS: Yo lo que dije es que tengo ya una edad, tengo 85 años, iba a ser muy difícil que encontrase un texto como este, pero ya lo he encontrado. El sentido común me hace ir pensando en la posibilidad de quedarse en casa, pero nunca retirarme ¡ni muchísimo menos!. De hecho, si todo va bien acabaremos con Señora De Rojo, o la aparcaremos, en Buenos Aires a finales de año y ya para el año que viene tengo previsto con Juan Mayorga una obra suya para La Abadía.
BiS: ¿Qué tiene que tener una obra, un proyecto, para que le tiente?
JS: Que me guste, solamente. Normalmente suelo ser una buena correa transmisora de sentimientos, sentires o padeceres del ciudadano medio. Me gusta hacerme cargo de personajes que, a parte de lo que le pueda gustar a la gente, sean de alguna utilidad, aunque sea por un ratito solo. Nosotros no cambiamos la historia, pero espero que le sea de utilidad a alguien.
Click aquí para ver las próximas paradas de la gira. ¡No os arrepentiréis!
Hay películas icónicas que puedes reconocer por una frase, por un par de acordes de su banda sonora o incluso por su vestuario… y luego está Pretty Woman. La película de 1990 protagonizada por Richard Gore y Julia Roberts y que si no podemos decir que lanzara la carrera de sus protagonistas, sí los ensalzó hasta convertirlo a él en uno de los galanes de los 90 y a ella en «la novia de América». Si no sabéis de qué película hablamos, habéis vivido en una cueva estos últimos 30 años porque teniendo en cuenta la de veces al año que la emiten en la tele, te tienes que esforzar para evitarla.
La película es un giro a la historia de cenicienta, el típico cuento de la doncella que conoce a un príncipe que la salva… cambiando doncella por prostituta y príncipe por tiburón empresarial. Y es que nos cuenta la historia de Vivian, una prostituta de LA, que conoce a Edward cuando éste se pierde de camino su hotel y decide contratarla para que le ayude a llegar… y «lo que surja». Lo que iba a ser solo una noche se acaba convirtiendo en un contrato de una semana para que se haga pasar por su novia y le ayude a congraciarse con unos clientes.
El musical se estrenó en Chicago y de ahí se trasladó al Nederlander Theater de Broadway. Originalmente con canciones de Bryan Adams y Jim Vallance, y un libreto de Garry Marshall y JF Lawton, la traducción al castellano ha venido de la mano de José Arqué y Marc Gómez.
En los papeles protagonistas nos encontramos a Cristina Llorente como Vivian, quien tiene la tremendamente difícil tarea de hacernos olvidar a Julia Roberts. Y es que el personaje de Vivian no se puede entender sin Roberts hasta el punto que la famosa escena del estuche del collar fue improvisada y su grito y carcajada son 100% auténticos. No obstante, Llorente está sobresaliente en papel, tanto a nivel vocal como interpretativo. El otro papel protagonista lo encarna nuestro querido Roger Berruezo, quien derrocha todo su carisma como galán, consiguiendo ese equilibrio entre magnetismo y vulnerabilidad tan complicado. En cuanto al resto del elenco, se trata de un elenco coral de mucha calidad con muy buena química y alto nivel tanto vocal como en los bailes, nada que envidiar a lo que podríamos encontrar en escenarios como los del West End. Sin embargo, no podemos dejar de destacar a Erika Bleda, que brilla con luz propia por su energía y ese vozarrón que da igual que oigamos entre hippies, en un campamento cristiano o «haciendo la esquina» en Hollywood boulevard siempre nos deja fascinadas.
Además, tenemos que hablar del vestuario, firmado por la conocida marca Pronovias, reproduce y actualiza los vestidos más icónicos de la película… una auténtica fantasía para cualquier fan de la película.
Si tuviéramos que sacarle punta a algo, este musical entra dentro de esa categoría de películas noventeras que han envejecido regular vistas desde el prisma del año 2022, porque no podemos olvidar que al fin y al cabo, Vivian vende su cuerpo y la película nos endulza una realidad que no deja de ser bastante dramática. Y, aunque en el musical el personaje de Kit decide hacer un gran cambio en su vida, parece que la única forma de salir de ese oscuro mundo es si te saca un millonario.
Con todo esto, Pretty Woman es un musical muy completo y entretenido, hace que se te pasen las 2 horas y pico que dura volando. Ideal para regalar estas navidades o como plan (no apto para niños) alternativo al bullicio de la ciudad.
Cuando hablamos de esos musicales que se ganan un huequito en nuestros corazones y en nuestras playlists, aquellos que por mucho que pase el tiempo no podemos dejar de escuchar, de tararear o de cantar todas las voces de la canción, en seguida nos vienen a la mente grandes nombres como Les Misérables. Pero, en ocasiones, llega ese musical que nos sorprende, que nos enamora y que aún no hemos salido del teatro y ya estamos deseando repetir. Matilda fue uno de esos musicales para mi. Cuando lo vi por primera vez en el Cambridge Theatre de Londres, allá por 2015, ya iba sobre aviso, tenía unas críticas espectaculares y ya se había trasladado también a Broadway, así que no fue ninguna sorpresa, conocía las canciones de Tim Minchin y estaba totalmente predispuesta a dejarme conquistar.
Por todo esto, quienes me conocéis imaginaréis la aprensión con la que entraba al Nuevo Teatro Alcalá de Madrid hace unas semanas. Matilda, por fin en España después de años de rumores y de preparación, de la mano de SOM Produce, traducido por primera vez al castellano. Emoción y terror a partes iguales. Y es que Matilda probablemente sea de los musicales más complicados de traer a nuestros escenarios. Por un lado, necesitas una caterva de niños que canten, bailen y actúen, no de fondo sino con solvencia como para llevar el hilo de un musical (¡¡esta producción tiene nada menos que 58 chiquillos!!). Por el otro, quien haya escuchado el álbum se habrá dado cuenta de la maestría de las letras de Tim Minchin, llenas de juegos de palabras y tesoros escondidos… sencillito de adaptar a un nuevo idioma…
Pues bien, Matilda aprobó con nota mi muy exigente examen. La adaptación de las canciones por Alejandro y David Serrano superó mis expectativas y sólo acabé echando de menos aquel abecedario escondido de The School Song (que reconozco es prácticamente intraducible literalmente). En cuanto a los niños, parece que lleven toda la vida sobre las tablas, se nota calidad de su formación.
No voy a entrar en detalle en la historia, ya que es de sobra conocida, basada en el clásico de Roald Dahl y llevado al cine en 1996, cuenta la historia de Matilda Wormwood una niña excepcional que desarrolla poderes telequinéticos que le ayudan a lidiar con su «especial» familia y la malvada directora de su colegio.
Si bien es cierto que con canciones tan pegadizas, una historia tan dulce y una escenografía tan lograda (firmada por RicardoSánchez-cuerda) tenían gran parte ganado, acaba de redondear el espectáculo un elenco soberbio. Absolutamente todos los niños están brillantes, incluida nuestra Matilda, que llevó la función con una solvencia que ya querrían muchos adultos. Pero no voy a nombrar específicamente a ninguno de ellos ya que estoy convencida de que todos los diferentes elencos infantiles tienen la misma calidad. En cuanto a los adultos sí merecen mención especial Allende Blanco como la dulcísima Miss Honey y Mary Capel como la exuberante Mrs. Wormwood. No obstante, nuestro corazón se lo llevó Oriol Burés desde su primer segundo en escena como la malvadísima Trunchbull. No sólo es un actorazo de una calidad vocal sobresaliente, sino que se nota cuánto disfruta su papel de diva malvada (porque hay que reconocer que la señorita Trunchbull es toda una diva a su manera) y con cada «¡gusanos!» nos conquistaba un poquito más hasta convertir al público en los fans nº1 de la campeona de lanzamiento de martillo de 1969 ;).
Matilda es un musical para toda la familia, lo disfrutarán los niños que conozcan por primera vez la historia y los no tan niños que redescubran de nuevo una de las películas más icónicas de nuestra infancia. Un must en el Nuevo Teatro Alcalá de Madrid, que bien merece una excursión a la capital.
Porque, de vez en cuando todos necesitamos que nos recuerden que «cada día empieza con el tic del reloj, todas las fugas empiezan con el click del cerrojo. Si estás atascado en tu historia y quieres escapar, no debes llorar, no debes gritar. Porque incluso si eres pequeño puedes hacer cosas grandes. Si te quedas plantado y dejas que se te suban a la chepa, no cambiarás nada«*.
M.
*Every day starts with the tick of a clock. All escapes start with the click of a lock. If you’re stuck in your story and want to get out, You don’t have to cry; you don’t have to shout.
‘Cause even if you’re little, you can do a lot, you Mustn’t let a little thing like ‘little’ stop you. If you sit around and let them get on top, you Won’t change a thing.
El reino de Fantasia está en peligro, la nada está haciendo desaparecer a sus personajes y solo Atreyu, el joven enviado por la Emperatriz Infantil podrá hallar la solución… os suena, ¿verdad?
El famoso libro de Michael Ende, publicado por primera vez en alemán en 1979 y desde entonces traducido a más de 36 idiomas y adaptado posteriormente al cine (Wolfgang Petersen, 1984), se ha trasladado a los escenarios de la mano de BeOn Entertainment.
Como os adelantaba al principio de la entrada, el musical nos cuenta la historia de Bastian, un niño que, huyendo de unos matones del cole, se encuentra un libro que cuenta como está desapareciendo el reino de Fantasia y un joven llamado Atreyu debe encontrar la solución. No obstante, todo se complica cuando Bastian descubre que él puede tener un papel muy importante en esa salvación.
Con música de Iván Macías, libreto de Félix Amador y dirección de Federico Barrios, este musical nos trae un espectáculo de primerísima calidad tanto técnica como artística que no desentonaría en un escenario londinense o en el mismísimo Broadway. Nombres de sobra conocidos de los escenarios españoles como Josean Moreno (Fúyur), Álex Forriols (Gmork) o Teresa Ferrer (Xayide) están impecables una vez más, pero debemos destacar a nuestro Atreyu de la noche, Pablo Castiñeira, que en su juventud supo llevar la función con unas tablas que ya les gustarían a muchos.
No obstante, el punto fuerte del espectáculo (y que nos dejó boquiabiertas en más de una ocasión) es la animatrónica. Con la firma de Fito Dellidarla y Alejandra Varela (Kreat FX), personajes como Fúyur, el Comerrocas o la Vetusta Morla cobran vida de la forma más creíble posible. Otro de los personajes más impresionantes es el caballo Artax, que te hace mirar dos veces para asegurarte que no es un caballo real cuando sale a escena y se acerca mucho al nivel de maestría que pudimos disfrutar cuando vimos War Horse en UK.
El punto más flojo del musical lo encontramos en la narración en sí, que ocasionalmente te lleva a preguntarte quién está en escena, cómo se ha llegado allí o por qué está sucediendo qué cosa si no eres muy fan de la historia o tienes reciente la película o el libro. Un sentimiento que queda reflejado a la perfección cuando Bastian le cuenta a su padre: «y cantamos la canción favorita de mamá… en inglés«. Porque efectivamente, ese momento en el que se canta «The Neverending Story», la canción compuesta para la película de 1984, en inglés tiene poco sentido en un musical repleto de canciones originales en español.
Con todo, La Historia Interminable, el musical, es un nuevo #MUST de la temporada teatral madrileña que no os podéis perder en el Teatro Calderón de Madrid.
El musical GHOST se despide hoy de Valencia tras cosechar un mes de éxitos y ya calientan motores para retomar la gira. No obstante, nosotras tenemos una sorpresa más, y es que hace unos días pudimos pararnos a charlar con el cantante y actor Ricky Merino, que interpreta el papel de Sam. Muchos seguiríais sus comienzos en Operación Triunfo, pero… ¿sabéis realmente quién es Ricky Merino?
BIS: Empezando por los comienzos… ¿cuándo decidiste ser actor?
RM: Decidí que lo tenía claro al acabar la ESO. Yo en 4° de ESO tuve una asignatura de arte dramático y en las notas de final de evaluación la profesora puso que tenía mucha sensibilidad para las artes escénicas, y que ella recomendaba que estudiara teatro artístico, y me acuerdo de eso me gustó y me animó. Le comenté a mi padre de estudiar arte dramático, lo cual él se negó, y me licencié en comunicación audiovisual. Fue más tarde que estudié yo formación privada junto a mi carrera. Pero en ese momento, me acuerdo que lo tuve como muy claro.
BiS: Ya vimos cómo interpretaste la canción One Song Glory, del musical Rent durante tu paso por la Academia. ¿Qué le aporta a Ricky Merino el teatro musical?
RM: Realmente a mi me ha aportado todo. Mi mayor formación fue a raíz de RENT que fue el primer proyecto de teatro musical en el que me metí. A raíz de RENT conocí a todo mi entorno de amigos que me ha dado el teatro musical y luego aparte mi formación más especializada. Porque a partir de ahí fue cuando empecé a Mallorca a tomar conciencia de la necesidad de formarme, y empecé a tomar muchas clases con muchos profesionales de musical. Y me ha aportado mucha satisfacción personal. Luego he hecho muchas cosas en mi vida, he tenido la suerte de trabajar en la televisión, con mi proyecto discográfico, pero en el teatro musical es donde más satisfecho me he sentido. Entonces te diría que es donde más valorado me siento.
BiS: Has participado en otros musicales de diferentes formatos, ¿qué tiene Ghost que no tiene los otros que has hecho hasta la fecha?
RM: Bueno, Ghost realmente es mi primer musical de gran formato en la Gran Vía de Madrid. Entonces ha supuesto el cumplir un sueño. Yo hacía teatro musical y trabajaba solo en provincias, que no es por desmerecer el teatro en provincias, hay muy buen teatro aquí. Hacía muchos castings de Madrid, muchos, muchos, muchos y soñaba con estar en algún momento en Gran Vía, en un gran formato. Todavía a día de hoy me cuesta creerlo, que mi cara estaba ahí en una fachada de la Gran Vía… yo recuerdo que pasaba hace años por ahí y miraba los carteles de Mamma Mia, Los Miserables… verme ahí ha sido un sueño.
BiS: ¿Habías visto ya el musical antes de participar en el proyecto?
RM: El formato de Madrid no. Me gustaba el musical, es uno de mis musicales favoritos, porque había escuchado mucho el musical del West End.
BiS: ¿Llegaste a verlo en Londres?
RM: La vi pirata en Youtube… (risas)
BiS: Eso lo hemos hecho todos (risas).
RM: Así que sí, lo he visto, pero de esa manera que no es lo mismo. Y me encantó, se ha convertido en uno de mis musicales favoritos. Cuando vi las audiciones de Ghost en España me hizo mucha ilusión.
BiS: ¿Cuál es tu canción favorita del musical?
RM: Pues yo creo que es Unchained Melody/The Love Inside al final, es muy cortito y lo cantamos Molly y yo, Cristina Llorente y yo. Y es muy íntimo porque lo hacemos a dos voces. Dura muy poquito, es el reencuentro de los dos personajes… es muy emotivo.
BiS: Últimamente, algunas películas de los 90 que han resucitado en forma de musical parecen que no han envejecido bien. Incluso ha habido ahora mucha crítica con LaSeñora Doubtfire en Broadway, ¿por qué crees que Ghost sí ha envejecido bien? ¿Qué es lo que tiene que hace que no pierda su encanto?
RM: Que es una historia de amor universal, yo creo que eso no envejece. Una historia de amor clásico. En cualquier novela encontramos ese viaje del héroe, que es este personaje que tenía que luchar y pasar por muchas fases para conseguir el propósito de, digamos, encontrar el amor de su vida. Al final toda historia del amor es muy reconocible y el público se siente muy identificado y yo creo que por eso Ghost no ha envejecido mal. Evidentemente todo está ambientado en los años 90, y a mí por ejemplo me choca que por ejemplo el personaje que estoy interpretando está dentro de mi rango de edad, pero tiene un matiz muy adulto. Sam es un ejecutivo de la banca de Wall Street, y en los 90 mi padre cuando tenía mi edad, ya parecía un señor. Eso me choca, nosotros me da la sensación de que maduramos un poco más tarde, pero por lo demás la historia es una historia de amor de esas que todo el mundo se siente identificado.
BiS: ¿Da reparo, da respeto meterse en los zapatos metafóricos de Patrick Swayze?
RM: Sí. Sí que da respeto porque la gente quiere ver a Patrick Swayze y a Demi Moore. La gente que viene quiere ver la película. Lo bueno de la función que hacemos es que es muy fiel. Yo vi la película antes de empezar los ensayos, para fijarme en la propuesta de Patrick Swayze, para que me surgiera lo que hacía él. Dejé de hacerlo porque me gusta aportar al personaje algo más visceral y más natural, desde mí, y aun así lo he conseguido porque hay gente que me escribe y me dice he visto que han visto a Patrick Swayze y a Demi Moore. Igual no es el objetivo porque no busco ser un calco de él, pero sí que se siente la presión.
BiS: A mi me pasó, después de verlo en Londres, como los diálogos eran tan parecidos, me parecía que a la película le faltaban las canciones…
RM: Nosotros hacemos el montaje que se hizo en Italia y creo que en Australia y es un montaje aún más teatral, que se parece todavía más a la peli.
BiS: Desde el punto de vista del actor, ¿son muy difíciles los trucos de ilusionismo que hacéis?
RM: No son difíciles, es más coreográfico, es difícil la coreografía. Por ejemplo, hay una escena que ocurre en el metro, que todo es muy coreográfico, es decir no pueden fallar lo que son las piezas del puzle, yo me muevo aquí, yo hago esto… todos llevamos un ritmo. Incluso en la parte de Oda Mae en el que atraviesa su cuerpo el fantasma de Orlando, es más mecánico de coreografía, pero el truco en sí no es complicado. Pero lo que es complicado, que todo, todo, ocurra bien, es decir, que el black out y las luces en ese momento ocurran bien, que los movimientos ocurran bien… eso es lo complicado. Los elementos que conforman el truco. Pero el truco en sí, no.
BiS: ¿Habéis tenido alguna liada de estas de en alguna función de estas cosas que siempre pasan, que falla X cosa y os quedáis todos ahí un poco “tierra trágame”?
RM: Yo tengo que hacer volar algunos periódicos, y a veces no vuelan. Yo hago el movimiento como que los quiero mover y a veces no han volado. Pero bueno, yo le pongo intención y ya está.
BiS: ¿Qué es lo que más te gusta interpretar a Sam?
RM: Es muy diferente a mí. Y me gusta convertirme en otra persona. Eso es un lujo del actor, que sales de tu vida y de tu mundo para convertirte en alguien durante unas horas, y eso mismo me lo permite este musical. Me gusta que sea mucho más adulto que yo, mucho más responsable que yo. Es mucho más romántico. Eso es muy diferente. Me gusta salir de mi zona de confort y Sam me lo permite.
BiS: ¿Qué tal ha sido el recibimiento en Valencia?
RM: Pues súper, súper bien. Y eso que Valencia, considero que, ha sido el teatro donde más hemos tenido que adaptar el montaje.
BiS: Es que el Olympia es muy pequeño y tiene el espacio entre cajas minúsculo.
RM: Es súper pequeño. El equipo técnico ha hecho un trabajo bestial para poderlo adaptar. Llevaban toda la semana haciéndolo, nosotros llegamos el viernes, y estuvimos todo el día viendo cómo adaptarlo, y era complicado y todo parecía indicar que el sábado iba a ser un desastre. Pero no lo fue. Yo te voy a decir que creo que fue una de mis actuaciones favoritas, me gustó mucho. Me gustó mucho el público, estaba muy entregado y salió muy muy bien.
No os perdáis el musical Ghost cuando pase por vuestra ciudad. Podéis consultar las próximas fechas y ciudades en su web
Llevábamos meses contando los días para la llegada a Valencia de uno de los musicales que más alboroto han generado esta temporada. Y es que no todos los días un cantante tan conocido de nuestro país como David Bustamante decide probar suerte sobre los escenarios.
Como todos conocéis, la película homónima se estrenó en 1990 protagonizado por Patrick Swayze, Demi Moore y Whoopi Goldberg convirtiéndose en uno de los referentes de la época y haciendo que millones de personas en todo el planeta se apuntaran a clases de alfarería. Cuenta la historia de Sam y Molly, dos jóvenes enamorados que ven su historia truncada en un asalto callejero. Sam, incapaz de cruzar al más allá conoce a Oda Mae, una medium de pacotilla que acaba resultando tener poderes reales para hablar con fantasmas. Juntos conseguirán proteger al amor de su vida y vengar su muerte.
El musical se estrenó en nuestro país poco antes del inicio de la pandemia con nuestro querido Roger Berruezo en el papel de Sam, Ela Ruiz, Cristina Llorente y Christian Sánchez en los papeles de Oda Mae, Molly y Carl. A Valencia a llegado con David Bustamante y Ricky Merino alternando el personaje de Sam.
Hemos de reconocer que nos generaba, como a todos, especial curiosidad ver qué tal se defendía Bustamante en el teatro musical, así que asistimos a una de las funciones protagonizadas por él. A nivel vocal no teníamos ninguna duda de su capacidad para defender las canciones con solvencia, pero… ¿y qué tal le iría con la interpretación? Pues, ¡mejor de lo que esperábamos! A ver, se nota que es su primera producción y todavía le queda camino como a la hora de proyectar la voz hablada o en la fluidez para alternar el texto y las canciones… pero le da una frescura y una ternura al personaje muy divertida y, sobretodo, muy real.
En cuanto al resto de actores, son Cristina Llorente y Ela Ruiz quienes brillan con más luz, impecables a nivel vocal e interpretativo. Ambas son una firme muestra de que el teatro musical de nuestro país no tiene nada que envidiarle a Broadway. Del resto del elenco tenemos que destacar a Sergio Escribano como cover de Carl, un desconocido que para nosotras no lo es tanto. Nosotras ya lo habíamos visto interpretando a Robin Hood en 2016, y es que Sergio «juega en casa» aquí en el Olympia. Nos encantó como Carl y nos alegra muchísimo ver a actores de la torreta triunfando más allá del cap i casal.
Esta producción es tan fiel a la película que viéndola después del musical te da la sensación de que le faltan canciones a la película. Además, los efectos visuales te dejarán intentando adivinar dónde está el truco en esta magia.
No podéis perder la oportunidad de ver este musical que no visitará hasta el próximo 12 de junio. Podéis consultar qué funciones realiza Ricky Merino y cuáles David Bustamante en la web del teatro Olympia, pero no os encantéis ¡que las entradas vuelan!
Esta semana ha iniciado funciones en Valencia el cabaret más irreverente, que además está de aniversario. Y es que… el tiempo pasa y The Hole cumple ya 10 años!!
Para celebrar semejante hito nos presentan este espectáculo que homenajea sus inicios, rescatando la esencia del original con los números más impresionantes y los personajes más icónicos de las tres ediciones, se dan cita las mejores y más sorprendentes actuaciones de artistas nacionales e internacionales, sugerentes stripteases, números circenses del mejor nivel realizados por artistas invitados de exitosa trayectoria e incluso, una gran historia de amor aderezada con un toque más sensual que nunca.
Para aquellos que habéis estado estos últimos 10 años viviendo en un agujero (de los que no molan) y no sepáis qué es The Hole, el espectáculo llegó en 2011 con Paco León como maestro de ceremonias invitándonos a conocer su mansión y hablándonos de su amor imposible con María del Mar. Dicho así parece poca cosa, ¿no?, pero… ¿y si os digo que dicha mansión está llena de personajes peculiares y que María del Mar es una rata? The Hole es una celebración de la vida y del amor que intercala números espectaculares con monólogos y canciones proporcionándole al espectador un subidón que dura días tras haber salido del espectáculo. Porque como dicen allí, hay que estar en el agujero para salir del agujero.
The Hole X tendrá varios maestros de ceremonias diferentes durante su estancia en Valencia: Canco Rodríguez (nuestro MC, estará del 27/4 al 2/5), Alex O’Dogherty (a quien vimos en TheHole 2, los días 4-5-11-12/5), Víctor Palmero (6-7-8/5) y Eva Isanta (13, 14 y 15/5).
En cuanto a los demás inquilinos de la mansión de The Hole, el elenco del espectáculo lo completan: Vinila Von Bismark, que interpreta a la Generala, Oscar Kapoya como el Pony Loco y Coral Quiñones y Carolina Rodríguez como las Supernenas; Julio Bellido es Almon; Oleg Tatarinov es el comandante y realiza el número Pole Aéreo. Edgar López, Arnau Lobo, Omar Antxundia y Raúl Ortiz son los mayordomos; Donet Collazo es Super Gold, Maru Limeres y Tamar Vela son las X Girls y Dias Brothers son los Icarios.
No os perdáis esta celebración del amor que encontraréis en la carpa de la antigua estación del Grao de Valencia.
Valencians… Valencianes… ja estem en Falles! Y bueno, los que no sois de aquí también, que para eso fueron declaradas patrimonio inmaterial de la humanidad.
El caso es que, como siempre, la época de Fallas es un reclamo para la llegada de musicales más conocidos a València, para aprovechar el aluvión de gente que recorre estos días la ciudad. Este año serán dos los musicales que nos acompañarán estos días, The Full Monty y Es Una Lata El Trabajar. Hoy os hablaré del primero de ellos, que pudimos disfrutar hace una semana en el Teatro Olympia.
El musical se basa en la película homónima de 1997 que nos cuenta la historia de cómo un grupo de trabajadores del acero deciden montar, tras quedarse en el paro, un espectáculo de strip-tease para recaudar dinero utilizando como reclamo que realizarán un desnudo integral, en inglés coloquial: un full monty.
El musical se estrenó en UK en el 2000 a la estela del gran éxito de la película, adaptándose posteriormente como obra de teatro (de la que ya os hablamos una vez debido a un fallo técnico de lo más llamativo). Esta gira nos llega bajo la dirección de David Ottone (Yllana) y Silvia Villaú, y de la mano de las productoras Theatre Properties y Planeta Fama Producciones. Protagonizado por Sam Gómez, Falco Cabo, José Navar, Gustavo Rodríguez, Carlos Salgado, Piñaki Gómez, Marta Malone, Noelia Pardo, Marta Arteta y Begoña Álvarez entre otros. Siendo un reparto tan coral nos cuesta destacar uno por encima de los demás, aunque fueron los personajes de Potro (P.Gómez) y Álex (Salgado) los que arrancaron un mayor número de carcajadas al público. Lástima que las mujeres en el espectáculo tienen un papel que más que secundario parece casi anecdótico
Finalmente, tengo que confesaros que con este musical he tenido un dilema (y de ahí que me haya costado casi una semana publicar esta crítica). Hacía tiempo que no veía la película original y me ha parecido que no ha envejecido bien. Las películas, los libros… son víctimas de la época en la que se crearon y puede que cosas que en su momento no te llamaban la atención o incluso te hacían gracia, ahora mismo te chirríen. Me costó empatizar con el protagonista, por no decir que me cayó bastante mal, con sus aires de «machito» y mucho decir que haría cualquier cosa por recuperar a su hijo pero rechazando los trabajos que le ofrecen porque ninguno le parece lo suficientemente bueno. Tampoco me parece que se redima demasiado al final del musical, pero eso dejaré que opinéis vosotros cuando lo veáis. Con otros personajes sí puedes si no empatizar, al menos simpatizar.
Con todo esto, no quiero desanimaros, sino invitaros a que vayáis a este musical y analicéis si ha cambiado vuestra opinión desde que visteis la película en los 90s. Lo tenéis en el teatro Olympia de Valencia hasta el 27 de marzo y podéis consultar el resto de fechas aquí.
P.D.: Si queréis saber si aquí también cumplen la promesa del famoso desnudo tendréis que ver el espectáculo.
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